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septiembre 2014

Prince lanza al mercado dos nuevos discos el mismo día

By | Featured @es, Música

Depende en qué década te hayas acercado a su discografía habrás oído hablar de él con un nombre artístico diferente. Prince, El Símbolo, El artista antes conocido como Prince o simplemente El Artista, han sido algunos de sus apodos a lo largo de su dilatada carrera. Lo que nadie duda a estas alturas es que el creador del “sonido Minneapolis” es una de los iconos del pop mundial y uno de los artistas más importantes e innovadores de la historia de la música. Prince vuelve a la carga lanzando dos nuevos trabajos al mercado el mismo día. La fecha elegida ha sido el 30 septiembre. Por una parte tenemos Art Official Age, su primer LP en solitario en cuatro años, y Plectrumelectrum, un trabajo en colaboración con la banda femenina 3rdeyegirl. Si creías que había pasado demasiado tiempo sin que el genio de Minneapolis obsequiara a sus fans con nuevo material, aquí llevas dos tazas… Prince por partida doble…

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Primero vamos a destacar algunos datos del nuevo trabajo en solitario del artista estadounidense. Art Official Age llega al mercado 4 años después de 20Ten (2010), un disco algo discreto en lo que a su repercusión comercial se refiere, pero con muy buenas críticas por parte de la prensa especializada. El disco tuvo una curiosa forma de distribución adquiriéndose gratuitamente junto a publicaciones como Daily Mirror o la revista Rolling Stone. Muchas voces lo situaron a la altura de discos como Prince (1979), el mítico Purple Rain (1984) o 1999 (1982). En fin, yo creo que no fue para tanto, pero para opiniones…

Vamos con más detalles de lo nuevo de Prince. Art Official Age está compuesto por 13 canciones producidas, arregladas, compuestas e interpretadas por Prince y con una mínima ayuda del productor Joshua Welton. El artista siempre ha sido muy defensor del “yo me lo guiso, yo me lo como” en sus trabajos discográficos. Este disco es una declaración de intenciones sobre cómo se debe interpretar el soul, el funk y el R&B en nuestros días. Melodías y voces como ejes de la composición son sus señas de identidad. Uno de los primeros cortes que ha trascendido de este disco es Breakfast Can Wait, cuyo videoclip fue colgado en la red a finales del pasado año.

Prince – Breakfast Can Wait

Ya conocemos el tracklist de lo último de Prince en el que destaca la balada This Could Be Us, el tema electro funk The Gold Standard o Clouds, junto a la cantante británica de folk y soul, Lianne La Havas. Aquí os dejamos un pequeño avance de otro de los temas del disco, titulado The Breakdown.

Prince – The Breakdown

El sello elegido por Prince para el lanzamiento de Art Official Age ha sido Warner Bros. Este dato no tendría que ser muy llamativo si no fuera por el culebrón a lo largo de varias décadas que el artista ha protagonizado con el gigante discográfico. Un enfrentamiento en el que ha ocurrido prácticamente de todo. Warner fue el sello con el que Prince estuvo trabajando desde 1978 hasta mediados de la década de los 90, momento en el que el cantante comienza una encarnizada guerra con ellos por la propiedad y derechos de sus canciones editadas.

Prince emprende toda una batalla legal que iría acompañada de estruendosas declaraciones y desplantes. En más de una ocasión señala en público que ha sido tratado como un esclavo y cambia su nombre comercial a un símbolo imposible de denominar. El cantante aparece en varias actuaciones públicas con la palabra “esclavo” pintada en la cara. En otro de sus exabruptos promete editar los 17 discos que lanzó con Warner y comercializarlos por su cuenta. Esta amenaza nunca llegó a llevarse a cabo.

Después de romper con Warner, Prince desaparece durante una temporada de la primera línea. Lanza con cuenta gotas nuevo material a través de sellos más independientes, además de algunos experimentos a través de la red, llegando a posteriores acuerdos con otros grandes del sector, entre ellos Columbia Records, con el que graba en 2004 su álbum, galardonado con un premio Grammy, Musicology.

Pero es en abril de este año cuando las aguas vuelven a su cauce y Prince llega a un entendimiento con Warner obteniendo los derechos de la música que grabó con ellos durante su carrera. Para sorpresa de propios y extraños el cantante declara a principios de este año la grabación de Art Official Age junto a Warner y su satisfacción tras sus reuniones con los altos directivos de la empresa. Así que podríamos decir que Art Official Age es una especia de pipa de la paz o bálsamo curativo entre el gigante del entretenimiento y el excéntrico artista de Minneapolis. Funkroll es otro de los temas de lo último del autor de “Purple Rain”. Una canción que también está en el tracklist del proyecto en paralelo de Prince que comentaremos algo más adelante.

Prince – Funkroll

El siguiente lanzamiento que Prince protagoniza el 30 de septiembre se llama Plectrumelectrum. Esta vez lo hace junto al trio de féminas llamado 3rdeyegirl con un LP compuesto por 12 temas con un sonido deliciosamente rockero.

3rdeyegirl – PRETZELBODYLOGIC (Preview)

3rdeyegirl alcanza la popularidad tras aparecer en el Late Night con Jimmy Fallon a comienzos de 2013. A partir de ahí una serie de conciertos por Europa y Estados Unidos hacen que su popularidad suba como la espuma. Prince entra en contacto con ellas a partir de su gira Hit & Run y posteriormente se encierran en el histórico Park Studio para grabar Plectrumelectrum. El trio de chicas está compuesto por la excepcional guitarrista Donna Grantis, Ida Nielsen al bajo y la potente Hannah Ford Welton a la batería. Este tema, titulado Fixurlifeup, lleno de garra y mensaje, es su carta de presentación junto a Prince.

3rdeyegirl – Fixurlifeup ft. Prince

Una vez contadas todas las novedades que rodean la actualidad del artista, no me resisto a linkear algunos de sus temas más conocidos y hacer así un pequeño recorrido por su vida y obra. Además de cantante y compositor, Prince es un auténtico virtuoso de la guitarra y toca multitud de instrumentos de oído con gran maestría. Durante la década de los ochenta se convierte en un auténtico ídolo de masas gracias a su capacidad para innovar y revitalizar géneros como el rock, el soul y el funk en Estados Unidos.
Purple Rain (1984) es su sexto álbum de estudio y uno de sus trabajos más celebrados. Una canción que todo el mundo reconoce con la que Prince ganó un Oscar a la mejor banda sonora de la película homónima dirigida por Albert Magnoli. Aquí la vamos a reproducir en la ceremonia de los Grammy 2004 en un curioso medley junto a Beyonce.

Prince & Beyonce – Purple Rain Medley (2004 Grammy)

Un par de años después del éxito de Purple Rain llega Kiss, otro de sus hits más importantes, extraído de su álbum Parade (1986). La canción debutó como número 1 en las principales listas de ventas de todo el mundo. Vaya temazo…

Prince – Kiss

Corre el año 1989 y la popularidad de Prince está en sus cotas más altas. Tim Burton refunda el mito de Batman y lleva al hombre murciélago a la gran pantalla junto a Michael Keaton, Jack Nicholson y la belleza del momento, Kim Basinger. El director de la película encarga el tema principal a Prince y éste responde con el “Batdance”. La canción sirve para que el cantante vuelva a alcanzar el número 1 de las listas norteamericanas. La película se convierte en todo un taquillazo planetario…

Prince – Batdance

Sexy M.F es otro de los grandes éxitos de Prince. Un tema perteneciente a su álbum Love Symbol (1992) de lo más irreverente, con un título algo malsonante que el cantante de Minneapolis interpreta junto a los chicos de The New Power Generation.

Durante su carrera ha vendido casi 100 millones de copias en todo el planeta y podríamos seguir recordando grandes hits de su discografía y no acabaríamos nunca… Así que hacemos un punto y final con The Most Beautiful Girl in the World, una canción incluida en su LP The Gold Experience (1994), primer disco de Prince bajo el pseudónimo del Símbolo. Esta canción solo consigue alcanzar el número 1 en las listas de ventas del Reino Unido a pesar de que es absolutamente deliciosa…

Prince – The Most Beautiful Girl In The World

es-prince-2 Plectrumelectrum – Tracklist
1. Wow
2. Pretzelbodylogic
3. Aintturninround
4. Plectrumelectrum
5. Whitecaps
6. Fixurlifeup
7. Boytrouble
8. Stopthistrain
9. Anotherlove
10. Tictactoe
11. Marz
12. Funknroll
es-prince-3 Art Official Age – Tracklist
1. Art Official Age
2. Clouds
3. Breakdown
4. The Gold Standard
5. U Know
6. Breakfast Can Wait
7. This Could Be Us
8. What It Feels Like
9. Affirmation I & II
10. Way Back Home
11. FUNKNROLL
12. Time
13. Affirmation III

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Hilary Duff – All About You

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Tras un largo paréntesis en el mundo de la música, la cantante y actriz estadounidense Hilary Duff vuelve a ser actualidad tras anunciar que estrenará nuevo disco el próximo otoño. Aunque aún no hay fecha exacta para su salida al mercado, sabemos que el esperado nuevo trabajo de la ex estrella de Disney tendrá como título “All or Nothing”.

Duff se encuentra actualmente dando los últimos retoques al que será su quinto álbum de estudio con material original desde 2007. La joven cantante ha elegido a la discográfica RCA Records para su esperada vuelta a la primera línea de la industria musical: “Me tomé un descanso de la música, pero me dio la fuerza que necesitaba para elegir con cuidado el paso siguiente, y estoy muy orgullosa del álbum que he grabado”.

Después de haber lanzado al mercado durante el verano un primer single titulado “Chasing The Sun”, Hilary vuelve a la carga estrenando el videoclip de la canción “All About You”, segundo sencillo del que será su nuevo disco. Un video lleno de frescura y espontaneidad en el que Duff demuestra sus dotes como bailarina, luciendo varios looks diferentes llenos de sensualidad y descaro. El video nos muestra como Duff sufre un flechazo en toda regla con un apuesto chico que ve en un restaurante. A partir de ahí comienza el carrusel de suspiros de amor, coreografías y un final algo previsible para este tema pop con algunos toques de folk.

“Al About You” ha conseguido entrar en el top 20 australiano y sigue escalando posiciones día a día. Puede parecer un dato sin mucha importancia pero la cantante no lograba entrar en un top 20 anglosajón desde la publicación de “With Love” en 2007.

Este video y el próximo álbum de Duff no son los únicos proyectos que la antigua estrella de “Lizzie McGuire” en Disney Channel tiene actualmente entre manos. Dentro de muy poco Hilary estrenará en la cadena de televisión estadounidense, TV Land, la serie “Younger” donde dará vida a una joven llamada Kelsey, siendo la protagonista absoluta de esta producción. Una apuesta por la ficción dirigida y producida por Darren Star (Sexo en Nueva York), en la que estará acompañada por la ganadora de un premio Tony, Sutton Foster.

One Republic – I Lived

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“I Lived” es el quinto sencillo extraído de “Native” (2013), último trabajo discográfico lanzado al mercado por la banda de pop rock estadounidense One Republic. Un tema que viene a suceder el éxito su anterior single, “Something I Need”, que llego a las principales estaciones de radio norteamericanas durante los primeros meses de 2014.

“Native” es el tercer disco de estudio de esta banda de rock con el que ha pretendido comenzar una nueva etapa en el estilo de la banda. Una apuesta que no está siendo del todo satisfactoria desde el punto de vista comercial, a excepción del hit mundial “Counting Stars”, aún en el número 3 de las listas de iTunes en Estados Unidos.

“I lived” es un emotivo homenaje a Bryan Warnecke, un joven fan de la banda que lucha desde hace 15 años contra la fibrosis quística, una terrible enfermedad hereditaria que afecta principalmente al funcionamiento de los pulmones y cuya esperanza de vida media no va más allá de los 36 años. El video intercala testimonios del joven Bryan hablando de su tratamiento con imágenes de su infancia practicando deporte y consiguiendo vencer las barreras a la que esta enfermedad lo somete en el día a día. “Siento como si respirará por una paja. Cuando intento respirar más fuerte, duele. Quiero sacarle el jugo a mi vida y divertirme lo más que pueda. Mi más grande miedo es no poder hacer eso”, señala Warnecke durante el metraje.

El video, producido por Taylor Vandegrift,  tiene su punto álgido en una visita del joven a un concierto realizado por la banda en el Red Rocks Amphitheatre de Colorado (Estados Unidos), a través de una invitación especial de la banda liderada por Ryan Tedder.

El último videoclip de OneRepublic concluye con un rótulo que destaca que Bryan y sus amigos han viajado más de 1.200 kilómetros recaudando 300.000 dólares para la investigación de la fibrosis quística.

Los 10 templos de la música techno que deberías visitar

By | Featured @es, Música

Si la música electrónica es tu vida, deberías ir haciendo las maletas con ropa cómoda para bailar y darlo todo en las pistas de estos locales, auténticos templos de la música techno alrededor del planeta. Este es el top 10 de los mejores clubes en 2014 donde podrás asistir a las fiestas más brutales y disfrutar de los mejores artistas electrónicos del momento.

1. Space Ibiza

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Localización: Ibiza (España)
Capacidad: 7.000 personas
Web oficial: www.spaceibiza.com

Space es, a día de hoy, la auténtica meca de la música electrónica. Este club ibicenco se ha consolidado como el referente mundial en cultura de baile con una programación que abarca con garantías todas las vertientes de la electrónica actual. No hay sitio más divertido en el mundo para salir de fiesta. La fama de sus cinco salas, con una calidad de sonido destacada como la mejor del mundo en los IDMA, hace que su oferta sea difícil de igualar.
La franquicia “Space” no para de expandirse internacionalmente con locales en Brasil y Moscú, así como proyectos muy avanzados en Nueva York y Dubái. Space lleva 25 años a la vanguardia y sigue siendo el club más laureado del planeta. Muchos creen que es un mito, pero algunos de los grandes DJs del momento han pedido pinchar en este emblemático local sin cobrar. Ibiza rules…

Space Ibiza 25th Anniversary (Aftermovie)

2. Green Valley

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Localización: Camboriu (Brazil)
Capacidad: 6.000 personas
Web oficial: greenvalley.art.br

Enclavada en el manto de la selva de Camboriu, en las colinas tropicales de Santa Caterina, esta sala con capacidad para hacer vibrar a 6.000 almas es el club número uno en toda Sudamérica. Su historia se remonta tan solo cinco años atrás en el tiempo. El lugar es todo un espectáculo en sí mismo gracias al exuberante lago rodeado de boutiques y jardines que alberga en sus instalaciones. Todo un recreo para las personalidades más variopintas y eclécticas de la sociedad carioca más chic. Sus fastuosos espectáculos pirotécnicos y su mágica e imaginativa iluminación han forjado gran parte de su joven leyenda. Cada semana la élite de la música electrónica visita su cabina. Personalidades como Armin o Axwell lo han señalado sin ningún tipo de pudor como “el mejor club del mundo”.

Green Valley – Celebración mejor club del mundo

3. Pacha Ibiza

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Localización: Ibiza (España)
Capacidad: 3.000 personas
Web oficial: www.pacha.com

Es una de las marcas más icónicas de Ibiza en el mundo. ¿Quién no conoce la franquicia de las cerezas y todos los sueños y fantasías que consigue generar? Tienen sello propio para editar música y locales de máxima categoría en países como Estados Unidos, Brasil, Egipto, Argentina, Australia, Polonia… La historia de Pacha es la historia de un pequeño negocio familiar que comenzó su andadura a comienzos de la década de los 70. Representa como ninguna el espíritu de Ibiza, su ambiente, su forma de entender la noche, en pocas palabras, hedonismo en cantidades industriales. Un lugar imprescindible para los clubbers que se precien con un equipamiento en su zona VIP difícil de superar.

Pacha Ibiza 2014 – Taste The Real Ibiza

4. Fabric

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Localización: Londres (Reino Unido)
Capacidad: 1.600 personas
Web oficial: fabriclondon.com

Esta sala se encuentra muy cerca del corazón de Londres, en la zona de Farringdon. Su forma de interpretar la música electrónica podría definirse como oscura y algo subterránea, siendo durante parte de su existencia, un referente de sonidos más underground. La sala abre sus puertas a finales del siglo XX y desde entonces su fama ha ido escalando puestos y acaparando artículos en las principales publicaciones especializadas del planeta. Fabric es un lugar fiel a sus tradiciones ya que todos los viernes sigue celebrando su mítica noche “FabricLive”, donde su parroquia puede disfrutar de sonidos drum & bass y dupstep de muchos quilates. Los sábados siguen siendo propiedad del techno, minimal, progressive y house, de la mano de los DJs más ilustres de la escena internacional.

Aniversario 13 de Fabric – Official Aftermovie

5. BCM

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Localización: Mallorca (España)
Capacidad: 3.000 personas
Web oficial: bcmplanetdance.com

BCM Planet Dance es una macrodiscoteca clásica situada en el término municipal de Calviá (Mallorca). Está situada en el corazón de la localidad turística de Magaluf, tan célebre últimamente en los medios de comunicación de medio mundo por sus excesos en el turismo de borrachera y por prácticas, llamémoslas pintorescas, como el “mamading”. En fin, investiguen este concepto en Youtube por vuestra cuenta y riesgo…
Este club, construido a finales de los 80, es un enorme edificio de dos plantas con dos salas bien diferenciadas donde el clubber puede gozar de los equipos tecnológicos de imagen y sonido más punteros del momento. La sala está rodeada de hoteles y bares, en el conocido como Bulevar de BCM. Aunque los relaciones públicas de la zona dicen que las siglas BCM se corresponden con las palabras “British Clubbers Magaluf”, la realidad es que responden al nombre completo de su propietario, el conocido empresario y multimillonario Bartolomé Cursach Mas. BCM es exceso y mucha juerga…

BCM Planet Dance

6. Amnesia

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Localización: Ibiza (España)
Capacidad: 5.000 personas
Web oficial: amnesia.es

Volvemos una vez más a España y a Ibiza. Amnesia es quizás el club con más aire cosmopolita de toda la isla. Se encuentra muy cerca de la localidad de San Rafael. La sala abrió sus puertas en el año 1996 y ha sido señalada como el mejor club del mundo durante los años 96, 97 y 98 del siglo pasado. Su pista es mágica ya que a pesar de que la terraza al aire libre está cerrada, la luz se va modificando a medida que se va acercando el amanecer. Bueno, todo hay que decirlo, aunque dudo que motive a los clubbers más exigentes, pero es el lugar donde Paris Hilton suele parar para realizar alguna de sus sesiones en España de “Foam and Diamonds”. La casa donde hoy se levanta Amnesia fue construida a finales del siglo XVIII. Sus fiestas Cocoon, La Troya o Cream, son mundialmente reconocidas. Amnesia, que celebra en 2014 su 24 aniversario como club con su actual configuración y características, es una parada imprescindible si vas a visitar la isla del pecado…

Amnesia Ibiza Opening Party 2014

7. Zouk Singapore

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Localización: Singapur
Capacidad: 3.000 personas
Web oficial: zoukclub.com.my

Se trata de uno de los complejos más importantes de Asia y está enclavado en la prospera ciudad estado de Singapur. Sus puertas se abrieron por primera vez en el año 1991. Forma parte de un impresionante complejo junto a locales como Phuture y Velvet Underground. Tiene un hermano menor en Kuala Lumpur desde 2004, capital de la vecina Malasia, que goza de un éxito similar. Su ambiente es absolutamente cosmopolita, no en vano está a poca distancia del principal puerto de mercancías del mundo, en la marina de Singapur. Según palabras del DJ Paul Van Dyk, “Zouk es uno de los mejores clubes del mundo y si has estado ahí, sabrás de la intensidad y energía que se despliega cada noche”.

Zouk – Singapore

8. Sirena

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Localización: Maresias (Brasil)
Capacidad: 5.000 personas
Web oficial: sirena.com.br

Volvemos otra vez al gigante sudamericano brasileño para detenernos en el complejo playero de Maresias, lugar donde en 1998 abre sus puertas el club Sirena. Muchas voces decían que su ubicación no era la más adecuada y que el negocio estaba abocado al fracaso pero las miles de personas que cada fin de semana se desplazan de la cercana Sao Paulo, la han convertido en un referente internacional. Ha sido escenario de noches memorables de personalidades como Fatboy Slim, Dimitri Vegas and Like Mike, o Steve Aoki. Su pista central es absolutamente monstruosa y está flaqueada por árboles naturales que se integran con facilidad en la fiesta, la noche y la música de los grandes de la electrónica, que tienen en Sirena una de su paradas obligadas en el continente sudamericano.

Sirena 20 años – Aftermovie

9. Octagon

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Localización: Seúl (Corea del Sur)
Capacidad: 2.500 personas
Web oficial: http://cluboctagon.co.kr/

A punto de acabar nuestro recorrido por los mayores templos del techno en el mundo volvemos nuestra mirada hacia Asia una vez más. Esta vez a la capital y motor económico de Corea del Sur, Seúl. Octagon ha sido una de las entradas más fulgurantes en este top 10 según varias publicaciones especializadas que hemos consultado, entre ellas la prestigiosa DJ Mag. El EDM ha llegado para quedarse en esta nación ávida de nuevas experiencias y Octagon es su club más importante hasta la fecha. Un local con grandes similitudes arquitectónicas al Frabic londinense en el que nombres como Headhunterz, Deniz Koyu y Alex MORPH, Nic Fanciulli y Coyu ya han pasado por su cabina.

Tenashar en Club Octagon

10. Hakkasan

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Localización: Las Vegas (Estados Unidos)
Capacidad: 3.000 personas
Web oficial: http://hakkasanlv.com

Hakkasan es uno de los clubes que más popularidad están ganando en los circuitos de la música electrónica internacional en las últimas fechas. La discoteca está dentro del lujoso hotel MGM de Las Vegas y consta de un magnífico restaurante a cargo del chef distinguido con varias estrellas Michelín, Ho Chee Boon. Como es habitual en la ciudad del pecado y en Estados Unidos, todo se hace a lo grande. Y decimos esto porque este club es de los pocos lugares en el mundo que puede presumir de tener a estrellas como Calvin Harris, Tiësto, Hardwell, Steve Aoki, Nervo o Afrojack, entre otros muchos, como DJs residentes. Ahí es nada… Así que si te ha ido bien jugando en el casino, deberías gastarte algunos dólares en este lugar antes de que la suerte te abandone a medida que te adentras en la noche…

Hakkasan Nightclub 2013 Year in Review


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Neuman, retrato de una banda de culto

By | Featured @es, Música

Su estilo se mueve en varias órbitas coincidentes que transitan por los caminos del rock más intimista, pasando por el shoegaze, con algunas gotas de post-rock. A pesar de que esta definición es bastante subjetiva, lo que ya nadie pone en duda es que Neuman se ha convertido en uno de los grupos de culto más importantes de la escena indie rock en España en los últimos años. Sus credenciales son discos como “Plastic Heaven” (2010), el celebradísimo “The Family Plot” (2011), el EP “By Fear/Hi Love” (2013) y su último lanzamiento, una de las joyas de este 2014, titulado “If”.

Tras una gira de más de 200 concierto, en donde se ha colgado en más de una y dos ocasiones el cartel de “no hay entradas”, esta banda se ponía manos a la obra bajo la atenta mirada del prestigioso productor Paco Loco para crear “If”, su tercer trabajo de larga duración.

En el mercado desde el pasado mes de mayo, “If” es la auténtica metamorfosis artística a mito de esta banda de rock. En pocos días se alza con los puestos más altos en el Top Ventas de discos en España, encandilando de forma homogénea a crítica y público. Expresiones como “obra maestra”, o “trabajo inolvidable”, se hacen inseparables de Neuman cuando se habla de su último disco en los principales medios nacionales. Una producción rebosante de sensibilidad que también recoge toda la energía que este conjunto es capaz de brindar al público durante un directo. Otros hablan del trabajo más arriesgado y transgresor de Paco Román (guitarra, voz), auténtica alma máter de Neuman, compuesto por 10 temas diseñados con la única intención de emocionar.

“If” ha sido concebido a partir del empleo de una veintena de guitarras, sintetizadores y batería de décadas pasadas en la gaditana localidad del Puerto de Santa María. Ojo que la mesa de mezclas donde se ha cocinado lo último de Neuman es la misma donde han grabado leyendas como Supertramp o Queen. Megalomanías aparte, el sello que se ha encargado de su difusión ha sido Subterfuge Records, una de las compañías más serías y auténticas de España.

El romance con esta discográfica se remonta al lanzamiento de su EP “By Fear/Hi Love” con temas como “Hell”, y en él tiene mucho que ver la colaboración de Neuman con el mítico guitarrista Ken Stringfellow. Un mago de las seis cuerdas californiano que ha dejado su impronta en bandas como R.E.M, The Posies o Lagwagon, ahí es nada.

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“If” es un disco nacido para llenar estadios y ser coreado debajo de una fina lluvia de verano. Un trabajo magnífico con el que poder engancharte a Neuman y viajar a través de sus cuidados paisajes sonoros. Esta tarde de domingo tenemos la oportunidad de charlar con Paco Román, líder de esta formación que te invitamos a descubrir…

Para aquellos que no tengan un concepto claro de qué es Nueman… ¿Cuándo y cómo surge la banda?
Neuman surge cuando yo, Paco Román, tras haber sacado dos discos con mi anterior grupo La Fábrica de la Luz, y el ultimo con una multinacional, después de tener una mala experiencia con ese círculo en el que no se entendía mi concepto musical, decido dedicarme a grabar canciones solo con la aspiración de ir recopilando mis sentimientos e ideas. Desde el año 1998 hasta el 2004 me dedico a grabar estas canciones yo solo en un estudio que tenía, hasta que de nuevo tengo las ganas de volver a crear una banda y llevar estas canciones a el escenario, paso por varias formaciones durante estos años y finalmente consigo consolidar una banda con estas intenciones.

Básicamente se puede decir que Neuman comenzó en el año 1998 aunque es cierto que la mayor transcendencia la ha tenido en los últimos 6 años, cuando me curé del desencuentro con una multinacional, esto sinceramente no me gusta contarlo, pues es fácil sacar el titular de una entrevista, pero con estas palabras puedes hacerte una idea y síntesis de cómo es y en que formas ha trabajado Neuman desde el inicio.

¿Cuáles son vuestros principales referentes en la música y la principal fuente de inspiración de vuestro sonido tan característico y casi hipnótico?
No escucho música casi nunca, desde hace muchos años, paso demasiado tiempo con mis melodías en la cabeza y es mi obsesión y vida, así que creo que buscar un referente en mi música es circunstancial. Cuando he escuchado algo me he limitado a escuchar los grupos que siempre me han acompañado, Sebadoh, Sonic Youth, American Football, Pinback…. Cuando he escuchado algo nuevo accidentalmente no me ha llegado, no me ha emocionado como lo hacen por ejemplo estas banda de las que te escribo.

¿Qué tal lleváis expresiones y etiquetas como “grupo de culto” que se están asociando a Neuman por buena parte de la prensa especializada?
Con orgullo a pesar de que no es así al 100%, Neuman abarca muchos estilos dentro del suyo y esa etiqueta va quizás relacionada directamente con las canciones en las que hay desarrollos muy largos. Nuestro primer disco “Plastic Heaven” empieza con “Sil Fono” una canción de 8 minutos que en directo se va a los 12, pero también tenemos “Hell” del EP “Bye fear / Hi love”, son el mismo concepto contado de manera diferente. Culto es una etiqueta bonita y que afortunadamente no nos pesa si se habla de reconocimiento.

Neuman – Sil Fono

En mayo de 2014, “If”, vuestro último disco de estudio, sale al mercado y rápidamente se convierte en un éxito de ventas, crítica y público. ¿Cuál es vuestra valoración sobre la salida de “If”? ¿Ha cumplido todas las expectativas que teníais puesto en él?
Quedamos impresionados por la respuesta en todos los sentidos y en los conciertos que estamos haciendo lo hemos comprobado. Nuestras expectativas no pasan de seguir haciendo discos y seguir componiendo, esto afortunadamente cada vez arrastra más gente y es muy bonito. Pensaba que con “Bye fear / Hi love” había cambiado todo pero “If” superó mis expectativas.

¿Cuáles son las principales señas de identidad de este disco, en qué temas de “If” podemos encontrar con más claridad aquello que os define como banda?
“If” es un disco que hace años soñaba con hacer, pero esto debía ser de una forma muy natural. “If” pasa por muchos estados de ánimo y ambientes, es un disco fácil, muy fácil, por eso puede parecer complicado, es el disco más directo de Neuman, el más disco de todos. “Kids”, Too Pretty” hay muchas canciones que resumen en su duración lo que es el significado de Neuman.

Pasar del final de “Too Pretty” que termina de la manera más caótica y ruidosa en la que solemos terminar algunas canciones y de repente empezar “Baby in my Arms” tan solo con una voz, son conceptos musicales frutos de dejarte llevar, y que solo ves que encajan cuando tienes las canciones en la mesa terminadas. Esto no se puede pensar previamente.

En el tema “Kids” cuentas con la inclusión del Coro infantil del Convervatorio de Torrevieja y la Orquesta de Cox. Contadnos como surge esta iniciativa y qué ha supuesto para ustedes llevarla a cabo…

“Kids” es la canción del disco que más tiempo tiene y en el momento que la compuse ya pensé que sería algo muy bonito contar con un coral de niños cantando conmigo. El disco lo estábamos grabando en el Puerto de Santa Maria y para mezclarlo volví unas semanas más tarde, aproveche ese intervalo de tiempo para ir a Alicante parta grabar a la Orquesta de Cox y al Coral.

En los discos siempre terminando complicándome la vida con estas ideas, pero es mi vida y lo hago con ilusión, a priori me dio un poco de miedo encontrarme con 50 niños y organizando como iban a ser esos coros, sin duda una gran experiencia, de las que no olvidas.

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¿Hay un motivo en especial por el que elegisteis el inglés para expresaros artísticamente?
Al principio cantaba en Castellano algunas canciones, de hecho el “Plastic Heaven” y “The Family Plot” hay una canción en castellano, solo lo hice por gusto, porque es mi idioma pero realmente en Neuman me he acostumbrado a cantar en Inglés, no me imagino a Neuman de otra forma.

Muchos medios y críticos dicen que es vuestro mejor disco con diferencia. ¿Ustedes también lo pensáis?
“If” es sin duda nuestro disco más disco, por muchos motivos, trabajar con Paco Loco ha influido a esto, no creo que hayan mejores discos que otros en Neuman pero es cierto que evolucionas, haces más canciones y de esta manera terminas expresando de una manera más fiel y eficaz lo que quieres contar. En ese sentido si es el mejor disco.

¿Es fácil convivir con tanta adulación y cumplido? ¿No suma un plus de presión y responsabilidad a la hora de salir a tocar en directo?
Esto es algo que valoro y valoramos todos mucho. Ese reconocimiento hace que todo fluya con más ilusión, la presión a la que nos podemos someter seria la misma que tendríamos sin tanto reconocimiento.

¿Lleva Paco Román todo el peso creativo en la banda, o la mayor parte de él?
Todo nació hace muchos años, cuando yo estaba solo, en esos años y haciendo canciones di sentido a Neuman, a un proyecto en solitario que con el tiempo se transformó en una banda. Digamos que yo le he dado el camino y obviamente llevo el peso del grupo pero me apoyo y ayudan mis amigos de Neuman.

Vuestro último trabajo ha hecho que muchos medios de comunicación fijen su mirada y focos en vuestra banda. ¿Se agradece toda esta atención repentina o en el fondo habríais preferido un cariño más sosegado y continúo en el tiempo?
La carrera de Neuman es y ha sido muy larga, todo ha sido muy poco a poco si pensamos que todo empezó en el año 1998… Aunque en los últimos 5 años ha crecido mucho, pienso que todo ha ido despacio, y que afortunadamente cada disco que se ha editado ha hecho crecer poco a poco más a Neuman. Sin duda Subterfuge ha hecho que en los dos últimos años Neuman se haya hecho más grande, todo cambio cuando firmamos con ellos.

Neuman – I Have The Will

Lleváis a Murcia por bandera allá por donde vais. ¿Qué aporta el carácter de vuestra tierra a vuestra música? ¿Qué tiene de murciano el sonido de Neuman?
Neuman empezó en Murcia, pero yo ya no vivo allí, llevo tres años viviendo en Granada, sigo teniendo el grupo allí, el ensayo etc…. Pero Granada ha influido en los dos últimos discos de Neuman, me hace gracia cuando dicen “los murcianos Neuman” ninguno somos de Murcia en realidad, Neuman se hizo allí y siempre nos ha gustado enseñar Murcia en nuestros videoclips. Ahora, a veces digo, “murcianogranadinos”.

Ahora estáis con el sello Subterfuge, gente sería y amante de la música por encima de todo, además de respetada y reputada. ¿Cómo valoráis este cruce de caminos a esta altura de vuestra carrera?
Hemos ganado un gran sello y unos grandes amigos, precisamente por mi mala experiencia con una multinacional ahora más que nunca valoro y siempre valoraré lo que significa esta en Subterfuge. Estar en Subterfuge es, si no la mejor, una de las mejores experiencias que he tenido en mi vida.

¿Ha tocado techo Neuman? ¿Qué queda por hacer en la música?
En absoluto, tengo como 7 discos más en mi cabeza, en distintas formas y maneras.

sessions-neuman-4

En el tema de la producción, todo ha sido muy artesanal, bueno, mejor dicho muy a la antigua. Además habéis contado con Paco Loco, una de las figuras míticas e insustituibles en este campo en España. ¿Qué tal se desarrolló el trabajo? ¿Exigencia máxima que llega a saturar o fluidez y diálogo ante todo?
Trabajar con Paco Loco es otra de las grande experiencias de mi vida, confiarle el 4º trabajo de Neuman fue de valientes, él es otro valiente, un genio, nos volveremos a encontrar, todo fue amor y música, fluido, como pocas veces pasa cuando grabas un disco. Almas gemelas con sintonía total.

He leído en varias entrevistas que si “mesa de mezclas utilizada por Queen”, “mismo equipopara mezclar que en discos de Supertramp”, etc. ¿De qué van estas historias exactamente? ¿Ya sois grupo presa de leyendas urbanas o hay realidades y anécdotas que contar al respecto?
Todo esto anecdótico, es por decirlo de alguna manera romántico, grabar en esa misma mesa que grabó Supertramp… Lo bonito fue lo que paso en esa grabación con Paco Loco en el Puerto de Santa María.

En vuestro último LP volvéis a contar con la presencia de un grande del rock, el norteamericano Ken Stringfellow, guitarrista entre otros de bandas como Lagwagon, ThePosies o los archiconocidos R.E.M. ¿Cómo y cuándo comenzó vuestra colaboración y posterior amistad?
Primero fue la amistad y luego vino todo lo demás. Tocar con Ken, es, bufff… otra gran experiencia, cantar juntos, grabar y hacer giras juntos es algo que nunca olvidaremos.

Neuman & Ken Stringfellow – Bye Fear / Hi Love

¿Qué os ha aportado principalmente la presencia y tacto de Ken en vuestra música?
El vino a tocar y cantar con nosotros, es un grande de la música, todo lo que aporte es grande, con Neuman surgió magia, armonía entre nosotros, con el tiempo nos hicimos más amigos, es una relación muy especial en lo personal y en lo musical imagínate.

Neuman & Ken Stringfellow – Hell

Una radiografía rápida de Neuman. ¿Quién es tipo duro de la banda? ¿El sensiblón? ¿El pitufo gruñón? ¿El soñador empedernido? ¿El más flojete y remolón? (Y un porque, no solo señalar y acusar….jejeje)
Menos tipo duro yo soy todo lo demás (risas). David es el músico y amigo que todo grupo debe tener, Alex es un 10 en Neuman, Fernando es mi gran amigo-hermano, le tengo tanto cariño, y Juan es otro gran músico del que debería disfrutar cualquier grupo. Juntos hay un gran respeto, cada uno tiene su rol en Neuman, estamos en un gran momento personal y musical, ojala no nos pase nada.

Hagamos un pequeño repaso por vuestra historia. “PlasticHeaven” (2010) es vuestro primer largo, y bien largo con casi dos horas de duración en 14 canciones. La crítica lo señala como un magnifico exponente de post rock, alejado del sonido indie, y muy de mirarse los pies mientras se canta, shoegaze… ¿Qué recuerdos tenéis de aquella época y qué destacáis de este disco para quien no lo haya oído aun?
Es una radiografía de todos los años que pase componiendo y grabando mis canciones solo, es el inicio de todo realmente, hace tiempo que no lo escucho, pero cuando he oído alguna canción me ha traído muy buenos recuerdos. De aquel disco solo estamos Fernando y yo, todo ha ido cambiando.

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Lo siguiente fue “TheFamilyPlot” (2012) y” ByeFear/Hi Love” (2013), ya junto a Ken Stringfellow y este celebradísimo “If” (2014). ¿Qué proyectos tiene en mente para el futuro Neuman?
Seguir haciendo discos, canciones, para el vinilo de “If” que se publica en septiembre-octubre. Vamos a grabar dos canciones nuevas, además de una que habíamos reservado como Bonus track, algún proyecto paralelo, seguir tocando en definitiva…

Neuman han elegido nuestras Sunday Sessions esta semana. Hace click aqui para el playlist.

GIRA “IF” 2014
3 de octubre – Murcia – Teatro Circo
17 de octubre – Granada – Planta Baja
15 de noviembre – Madrid – Sala BUT
28 de noviembre – Zaragoza – La Casa del Loco
29 de noviembre – Barcelona – Apolo [2]
5 de diciembre – Logroño – Sala Biribay
13 de diciembre – Granada – Festival Granapop

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Aleks Syntek, el genio del pop mexicano

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Es una de las mayores estrellas de la música mexicana actual. Muchos lo llaman “maestro” y otros sencillamente “el rey del pop mexicano”. La carrera de Aleks Syntek es una sucesión de éxitos que se remontan a comienzos de la década de los noventa cuando lideraba el grupo Aleks Syntek y Le Gente Normal, con el que grabó 5 álbumes, cosechando múltiples galardones y discos de oro. Tras 6 discos de estudio como solista, este artista y productor es toda una institución en la industria musical latinoamericana. En 2014 ha vuelto a ser actualidad estrenando un nuevo álbum titulado “Romántico desliz”, y siendo responsable del tema principal de la película “Cantinflas”, estrenada el pasado 29 de agosto en Estados Unidos. Un film que cuenta la vida y obra de Mario Moreno Cantinflas, el cómico más importante de la historia de México. Además de todas las novedades que rodean a Syntek vamos a hacer un pequeño recorrido por alguno de sus mayores éxitos. Si te gusta el pop de verdad, no te lo puedes perder…

La conjunción entre Cantinflas, el mayor comediante de la historia de México, y Aleks Syntek, una de las figuras más importantes de la música azteca de los últimos tiempos, es sinónimo de éxito. La película ha debutado en Estados Unidos con unas cifras bastante aceptables que se acercan a los 3,2 millones de dólares en su primer fin de semana, llegando a un total de 382 salas de exhibición según datos del portal especializado Box Office Mojo.

El film está dirigido por el realizador mexicano Sebastián del Amo y es el actor español Oscar Jaenada, con un tremendo parecido físico con el entrañable cómico, el que da vida a Mario Moreno Cantinflas. La cinta se centra en su vida y obra, haciendo hincapié en los sucesos que rodean la filmación de la película “La vuelta al mundo en ochenta días” (1956), con la que Cantinflas se introdujo en el mercado norteamericano y por la que llegó a ganar un prestigioso Globo de Oro.

Cantinflas Official Mexico Trailer

El tema principal de la cinta se titula “Ríete de amor hasta que mueras”, y viene presentado por un delicioso video protagonizado por Aleks Syntek en el que se intercalan algunas imágenes de la película. El cantante y productor mexicano también ha editado una versión de esta canción en inglés para copar el mercado norteamericano interpretándola a dúo con Juliette Ashby y con la colaboración de Jenny Ball, de Jeny and The Mexicats.

Aleks Syntek – Ríete De Amor Hasta Que Mueras

En la banda sonora oficial de “Cantinflas”, compuesta por 12 cortes, también encontramos temas firmados por reconocidos artistas como Denise Gutiérrez, Paté de Fuá, Mauricio Sánchez, Los Claxons, o este “Vete de mí”, interpretado por la estrella española internacional Enrique Búnbury.

Bunbury – Vete de Mí (BSO de Cantinflas)

Dejamos a la leyenda de Cantinflas de lado y nos centramos en la figura del músico, cantante, compositor y productor, Aleks Syntek. Un artista en constante reinvención responsable de múltiples aportaciones a la escena del pop latino internacional, gracias a su valiente capacidad de experimentación y vanguardia.

Coma antes hemos señalado, su carrera comienza en los 90 junto a la banda La Gente Normal con los que consigue numerosos premios y reconocimientos. Temas como “Más fuerte de lo que pensaba”, “Bienvenidos a la vida”, “Lugar secreto”, o este “Hey tú”, comienzan a forjar su leyenda en el pop mexicano.

Aleks Syntek y La Gente Normal – Hey Tu (1991)

Justo antes de despedir el siglo XX, Syntek recibe el prestigioso premio Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas por escribir la banda sonora de la película “Sexo, pudor y lágrimas”, uno de los bombazos de taquilla más importantes en la historia del cine mexicano.

Aleks Syntek – Sexo, Pudor Y Lágrimas

Antes de lanzar su primer disco oficial en solitario, Aleks publica un recopilatorio con los mayores éxitos de su carrera en el que incluye el tema inédito “Tú necesitas”. Esta canción pronto se convertiría en un éxito en todas las pistas de baile de Hispanoamérica, alcanzando un doble disco de platino.

Aleks Syntek – Tu Necesitas

“De noche en la ciudad” (2001) es su primer álbum en solitario. Tres años después llega al mercado “Mundo Lite”, con el que el artista mexicano alcanza el éxito internacional. El responsable de esta repercusión es el tema “Duele el amor”, que interpreta junto a la ex líder de Mecano, la cantante española Ana Torroja. Esta canción se convierte en un auténtico fenómeno en España y es traducida al alemán, italiano, portugués e inglés. El hit permite a Syntek conseguir dos Premios Billboard Latinos además del tercer doble platino de su carrera.

Aleks Syntek – Duele El Amor ft. Ana Torroja

“Lección de vuelo” (2007) es el título de su tercer álbum de estudio en el que el artista da un giro a su estilo hacia sonidos más experimentales y orquestales. Por supuesto también hay un hueco para el folklore latino más clásico. Destacan temas como “Historia de danzón y de arraval” e “Intocable”, que logró situarse como número 1 durante varias semanas en las principales radiofórmulas de México.

Aleks Syntek – Intocable

Tras el lanzamiento de “Lección de vuelo”, Syntek protagoniza varios eventos junto a grandes estrellas de la música internacional. Por un lado junto a Bon Jovi y Fito Paez en sendos conciertos con carácter solidario en México y Colombia, y por otro junto a Kylie Minogue con la que protagoniza una versión del hit de la australiana “In my arms”.

In My Arms – Kylie Minogue duet w/Aleks Syntek (Mexico)

Coincidiendo con la celebración de sus 20 años en la primera línea de la escena musical, Aleks Syntek edita en 2009 “Métodos de placer instantáneo”. Un álbum en el que realiza un dueto con la leyenda de la salsa, Rubén Blades, y que contiene temas imprescindibles de su discografía como “Sin motor” o “Loca”. Este último cuenta con un video con paralelismos más que evidentes con el clásico de Robert Palmer, “Addicted to love”.

Aleks Syntek – Loca

A comienzos de la primera década de este siglo Aleks es toda una celebridad en el mundo del espectáculo. Personalidades como la actriz Eva Longoria o el futbolista azteca Rafa Márquez, declaran abiertamente su admiración por el músico nacido en Yucatán. Su presencia en los medios de comunicación es casi obligada. En 2011 aumenta aún más su popularidad al participar en el show televisivo “La Voz… México” junto a Lucero, Espinoza Paz y Alejandro Sanz. El programa bate todos los records de audiencia en México.

En 2012 Aleks (cuyo nombre original es Raúl Alejandro Escajadillo) actúa junto a Elton John en un concierto multitudinario en Guadalajara y presenta su álbum titulado “Syntek”. Se trata de un trabajo donde el artista vuelve a reinventarse proponiendo a sus fans temas en una línea electro pop y new wave, con claras reminiscencias ochenteras. “La Tormenta” es uno de los temas más celebrados de este trabajo…

Aleks Syntek – La Tormenta

El presente de Aleks Syntek se llama “Romántico desliz” (2014), el último disco del artista, en el mercado desde el pasado mes de junio. Trece canciones originales componen este LP en el que han colaborado músicos de España, Colombia, Argentina y México. En el capítulo de la composición, Aleks ha contado con la colaboración de gente como Alex Ubago, Mario Domm y Pablo Hurtado de Camila, y Xabi San Martín de La Oreja de Van Gogh, entre otros muchos.
Según palabras del propio Syntek, este “es un material realizado bajo la presión de la perfección, con temas extraordinarios que dejarán huella no sólo en mi trayectoria como artista, sino también en el gusto de mis seguidores y de quien lo llegase a escuchar. Será un disco completo en toda la extensión de la palabra”. Su aceptación comercial está siendo muy buena gracias al éxito de temas como este “Corazones invencibles”.

Aleks Syntek – Corazones Invencibles

Romántico Desliz – Tracklist
1. Tan Cerquita
2. Corazones Invencibles
3. El Email
4. 3 Veces Locura
5. Este Amor Que Pudo Ser
6. Te Amaré
7. Multiplicando
8. No Te Vayas con Él
9. Enamorado de Ti Para Siempre
10. 1000 Suspiros en Mundos Raros
11. Tu Recuerdo Divino – Versión Bodas – con Los Ángeles Azules
12. Y La Vida Va
13. Tu Recuerdo Divino – Versión Acaramelada


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Una guitarra Gibson, un sombrero de copa… Slash

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El mítico guitarrista, ex de los Guns and Roses, acaba de lanzar al mercado su tercer disco de estudio en solitario. Su título es “World on fire” y Slash se ha vuelto a rodear de Myles Kennedy & The Conspirators para darle forma a esta criatura discográfica. Estamos ante un álbum de auténtico hard rock, crudo y sin concesiones, compuesto por 17 temas con un estilo similar al de sus anteriores discos. Las guitarras son más primarias y directas si cabe, lo que hacen que el sonido de este LP sea muy homogéneo. Slash ha afirmado que con este trabajo ha vuelto a su juventud al experimentar la sensación de tocar y grabar junto a una auténtica banda de rock en una misma sala, sintiendo la música en un ambiente electrizante.

Pocos guitarristas en la historia del rock tienen una estampa tan reconocible y legendaria encima de un escenario. Melena rizada color negro azabache coronada por su famoso sombreo de copa, piercing nasal y guitarra Gibson colgada unos centímetros por debajo de la cintura (como los buenos rockeros)… ese es Slash.

Su magistral destreza con las seis cuerdas y su capacidad como compositor lo han transformado en uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Primero arrasó en todo el mundo como el solista de los mágicos Guns and Roses junto al también icónico Axl Rose. Poco después montó su propia banda, Slash´s Snakepit, luego vendría Velvet Revolver y ahora sigue al cien por cien junto a Myles Kennedy & The Conspirators con este nuevo lanzamiento,“World on Fire”. El primer avance de este trabajo, titulado igual que el LP, está en la red desde hace tres meses. Un lyric video subidísimo de tono, solo apto para mayores de 18 años.

Slash – World On Fire Lyric Video

“World On Fire” se ha grabado en Los Ángeles y en Florida bajo la supervisión de Michael Elvis Baskette por sugerencia de Myles Kennedy, con el que había trabajado con anterioridad en su banda Alter Bridge. Precisamente hace poco Slash ha hablado en varios medios especializaos de su relación con Myles, vocalista de su actual proyecto: “La conexión ha sido muy buena desde el primer día. Trabajar con él es un regalo. Es una persona sencilla con la que es muy fácil colaborar. Estoy acostumbrado a trabajar con personalidades muy distintas, pero en su caso todo ha sido extraordinario. Aquí no hay egos, todos somos un equipo”.

Algunos datos más… “World On Fire” ha sido publicado en CD, álbum digital, vinilo y en una edición limitada que incluye una camiseta del grupo. La portada del disco es obra del artista del surrealismo pop, Ron English, al que Slash descubrió a través de Instagram. Slash presentará el disco en directo en una gira conjunta con los chicos de Aerosmith.

Este disco llega 2 años después de la publicación de su primer álbum junto a Myles Kennedy and The Conspirators. Su título era “Apocalyptic Love” y debutó directamente en el número 4 de la lista de ventas de Billboard EE.UU. “You are a lie” fue su primer single.

Slash – You’re a Lie ft. Myles Kennedy, The Conspirators

En verano de 2011, Slash hacía las delicias de su público más clásico editando un directo grabado en su localidad natal (titulado “Made in Stoke”) en el que incluía temas de Velter Revolver y Guns and Roses como “Sweet Child O´Mine”, “Civil War” o este “Paradise City”.

Slash- Paradise City Made in Stoke

El primer disco en solitario de esta última etapa de la carrera del guitarrista se tituló simplemente “Slash” (2010). Un álbum que contó con un montón de colaboraciones de conocidos artistas del mundo del rock y del pop. Entre ellos podemos destacar a Ozzy Osbourne, Chris Cornell, Lemmy de Motorhead, Iggy Pop, Kid Rock y gente más “soft” como Adam Levine de Maroon 5 y Fergie de Black Eyed Peas.

Slash Feat. Fergie – Beautiful Dangerous

Slash ha sido recientemente reconocido por la revista Time como el segundo mejor guitarrista de la historia del rock tras Jimi Hendrix. Su carrera está plagada de éxitos y de alguna que otra sombra. Así que vamos a aprovechar el lanzamiento de “World On Fire” para hacer un pequeño repaso por los momentos más destacados de su andadura musical.

Corre el año 1985, las colinas de Hollywood asisten al nacimiento de Guns and Roses, una de las bandas más importantes de la historia del rock en la que Slash juega un papel fundamental junto al ego del siempre polémico Axl Rose. El grupo vende más de 140 millones de discos en todo el mundo. Las relaciones se vuelven cada vez más tensas en el seno de la banda debido al particular carácter de Axl. En 1994 Slash graba una versión de “Sympathy for the Devil” de los Rollings Stones para la banda sonora de la película protagonizada por Tom Cruise y Brad Pitt, “Entrevista con el Vampiro”. Este será su último trabajo junto a la banda de las pistolas y las rosas.

En la historia del rock permanecerá su música y decenas de éxitos como el videoclip de “November Rain”. Un metraje estrenado en la MTV en 1992, en el que podemos ver a un Slash en plenitud de facultades en un solo inolvidable en las puertas de la iglesia donde se desarrolla parte de la historia de este himno del rock.

Guns N’ Roses – November Rain

Corren los primeros años de la década de los noventa y Slash está en el top de su popularidad gracias a las enormes ventas de su álbum “Use your Illusión” junto a Guns and Roses. Esto hace que Michael Jackson fije sus ojos en el guitarrista para que forme parte de su éxito “Give in to Me”, perteneciente a su álbum “Dangerous”. Se trata de la época más rockera del rey del pop que ya había contado con la colaboración de otros ilustres melenudos como Steve Stevens en “Dirty Diana” y Eddie Van Halen con “Beat It”. El videoclip de “Give it to Me” es toda una joya en la que vemos un magnífico mano a mano entre Slash y Jackson bajo la dirección de Andy Morahan, que ya había dirigido al guitarrista en videos de Guns and Roses como “Don’t Cry” y “November Rain”.

Michael Jackson – Give In To Me

Su primer proyecto en solitario fue Slash´s Snakepit junto a Gilby Clarke y Matt Sorum, sus compañeros en Guns and Roses. También los acompañaba el bajista de Alice in Chains, Mike Inez, y el cantante Eric Dover. El grupo saca un par de discos al mercado pero la aceptación comercial no es la esperada. El mundo está siendo sacudido por el grunge y el hard rock ha quedado relegado a un segundo plano. Slash publicará bajo este nombre “It´s Five O´Clock Somewhere” y “Ain´t Life Grand”, al que pertenece este videoclip titulado “Mean Bone”.

Slash`s Snakepit – Mean Bone

El siguiente proyecto de Slash si tuvo una aceptación comercial más importante entre el gran público. Se trata de Velvet Revolver y precede a su formación actual con la que ha estrenado “World On Fire”. Velvet Revolver es un proyecto de laboratorio rock en el que Slash volvió a contar con ex de Guns and Roses como Matt Sorum y Duff McKaagan, junto al guitarrista Dave Kushner y el carismático cantante de Stone Temple Pilots, Scott Weiland. Fruto de esta formación son los discos “Contraband” (2004), con un magnífico debut en Billboard, y Libertad (2007). Quizás este “Slither” sea el tema más pinchado y conocido de esta etapa de Slash.

Velvet Revolver – Slither


16.9.slash-2 World on Fire / Tracklist
1. World on Fire
2. Shadow Life
3. Automatic Overdrive
4. Wicked Stone
5. 30 Years to Life
6. Bent to Fly
7. Stone Blind
8. Too Far Gone
9. Beneath the Savage Sun
10. Withered Delilah
11. Battleground
12. Dirty Girl
13. Iris of the Storm
14. Avalon
15. The Dissident
16. Safari Inn
17. The Unholy

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Los mejores videos de twerking en lo que llevamos de año

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El twerking es el baile de moda del momento, de eso no hay la menor duda. Poco a poco ha ido imponiendo su ley en los videoclips de los principales artistas del momento a base de movimientos de cachetes de traseros de todas las razas y colores. Puede sonar algo grosero, sí… pero hay que llamar a las cosas por su nombre. El twerking consiste básicamente en mover el culo. Hay quien lo hace con más o menos arte, y hay posaderas más o menos estéticas y agraciadas para llevarlo a cabo. Nicky Minaj, Miley Cyrus, Shakira o Rihanna son algunas artistas que han sucumbido al encanto de este baile (la verdad sea dicha, no hemos encontrado ejemplos de chicos moviendo el pompis así). En este post vamos a hacer un pequeño estudio del tema. Delimitaremos el concepto “twerking”, veremos los principales ejemplos en videos de este año y también algunos clásicos del género. Así que seamos sinceros: ¡Prepárate para una avalancha de culos desenfrenados en movimiento!

Antes de ver las pruebas empíricas más evidentes de twerking en este 2014, vamos a seguir con el método científico intentando, en primer lugar, definir el concepto. La comunidad internacional no se pone del todo de acuerdo a la hora de dar una definición exacta de “twerking” pero creo que podemos arrojar algo de luz al tema con algunos datos.

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Twerking es una palabra de origen anglosajón que designa el acto de bailar provocativamente con movimientos pélvicos con claras connotaciones sexuales. La técnica básica consiste en poner las manos en las caderas, tener las rodillas flexionadas y mover la cadera al ritmo que marque la música. Es un baile muy cercano al célebre “perreo” procedente del reggaetón. Muchos investigadores y antropólogos se han jugado la vida en expediciones científicas y han llegado a la conclusión de que el twerking tiene algunas influencias de danzas africanas como el mapouka.

Su origen está en Estados Unidos formando parte de la cultura hip hop desde inicios de la década de los 90. El vocablo twerking procede del verbo twerk que, según el Diccionario Oxford, significa “bailar música popular de manera sexualmente provocativa”.

El germen del baile siempre ha estado presente… El perreo latino ya estaba ahí y tiene muchísimos adeptos en el mundo, pero podemos establecer dos sucesos como los principales focos de twerking que se han apoderado de nuestro mundo. En primer lugar el numerito que protagonizó Miley Cyrus durante los MTV VMA de 2013 junto a Robin Thicke, y en segundo lugar el lanzamiento del videoclip “Pour It Up” de Rihanna en ese mismo año. Dos impactos brutales en las conciencias humanas que han cambiado la forma de mover el culo para siempre…

Rihanna – Pour It Up

Y ahora vayamos directamente a las pruebas. Aquí os dejamos algunos ejemplos de twerking de calidad en lo que llevamos de año. Sospechamos que estos ejemplos no serán los últimos. Queda mucha tela por cortar hasta que llegue 2015…

Comenzamos con Nicki Minaj, uno de los mayores exponentes de este movimiento. Tiene un físico agraciado para practicar twerking y lo sabe. Su último videoclip es todo un compendio de culos en movimiento. “Anaconda” tiene el nuevo record mundial de mayor número de reproducciones en Youtube durante las primeras 24 horas. Un claro indicativo del interés que los traseros despiertan en el mundo desarrollado…

Nicki Minaj – Anaconda

Para bajar un poco la temperatura que ha dejado “Anaconda” en este post, vamos con un ejemplo algo más elegante y menos explícito en lo que a twerking se refiere. Un tema con algo más de mensaje… Taylor Swift y “Shake It Off”.

Taylor Swift – Shake It Off

Nuestro siguiente ejemplo lo firma el cantante tejano Todrick Hall con un punto cómico absolutamente genial. El videoclip está basado en el clásico del cine musical “Cantando bajo la lluvia” (1952), protagonizado por el mítico Gene Kelly. En esta ocasión nos encontramos “Haciendo twerking bajo la lluvia”…

Todrick Hall – Twerking in the Rain

Volvemos con toda la artillería con un video protagonizado por dos grandes maestras del arte del twerking. La temperatura volverá a subir tras ver este “clásico” de este año protagonizado por Shakira y Rihanna…

Shakira – Can’t Remember to Forget You ft. Rihanna

Ojo, que aunque eso de mover el trasero parezca algo fácil, el tema requiere de práctica y duro entrenamiento. Aquí vemos a la superestrella Rihanna en un video casero practicando los movimientos. El twerking, como la fama, cuesta…

Rihanna Twerks To T Pain – Up Down Song

Ya va siendo hora de que le demos un punto latino a este concienzudo estudio sobre el twerking. El primer ejemplo viene de la mano de la conocida rapera, actriz y modelo dominicana, La Materialista. Tengo mis dudas respecto a este video y es que la línea que separa al twerking del perreo es muy fina. La premisa es tan simple como contundente: “Papi, ¿te gustan las chapas que vibran?”

La Materialista – La Chapa Que Vibran

Seguimos con artistas dominicanos. En esta ocasión el protagonista es Paramaba acompañado de Musicólogo y La Berunta. La colección de primeros planos de imponentes posaderas en movimiento no tienen precio. En este video la idea principal y el norte de la composición también están bastantes claros: “Pilonea, dale mami, pilonea…”

Paramba Ft Musicologo & La Berunta – Pilonea (Remix)

Para volver a controlar las pulsaciones tras las sesiones de caderas en movimiento a la que hemos asistido vamos con un poco de polémica respecto al twerking. Hace pocos días Miley Cyrus hizo un alegato en favor de este baile y del componente machista que tienen muchas de las críticas que recibe. Aseguro que este movimiento fue inventado por un hombre, por Elvis Presley para ser más exactos. La joven cantante señala que sus movimientos de cadera no generaban polémica porque se trataba de un hombre. “Elvis era todo un símbolo sexual en su época, pero nadie decía nada porque no era una chica, un ejemplo de doble moral”, ha asegurado airada en varios medios de comunicación.

Abandonamos la actualidad más rabiosa para poner varios ejemplos de videoclips de twerking del año pasado, no nos vamos muy lejos. Atentos a esta visión cómica y surrealista del susodicho baile a cargo del proyecto musical Major Lazer.

Major Lazer – Bubble Butt (feat. Bruno Mars, 2 Chainz, Tyga & Mystic)

La joven rapera australiana y estrella emergente, Iggy Azalea, tampoco se queda atrás a la hora de demostrar su poderío en el campo del twerking. Tiene atributos físicos de sobra para dominar la técnica y así lo demuestra en su videoclip “Work”.

Iggy Azalea – Work

Ahora estamos en 2012, el fenómenos está eclosionando y este “Express Yourself” de Diplo junto a Nikcy Da B es un claro ejemplo de cómo el movimiento de culo se ha convertido en un método de expresión artística…

Diplo feat. Nicky Da B – Express Yourself

Cerramos este recorrido por algunos ejemplos del baile del momento con un videoclip dedicado a la principal herramienta que hace que el twerking sea lo que es: El culo. Big Sean y Nicki Minaj te lo dicen bastante clarito y en varios idiomas distintos…

Big Sean – Dance (A$$) Remix ft. Nicki Minaj

¡Esperad, esperad! Aún no hemos acabado. Antes de irnos tenemos entre manos un pequeño experimento sociológico en el que se mezclan dos conceptos que no suelen ir juntos muy a menudo: la música clásica y el twerking. No os decimos más. Echadle un vistazo hasta el final al último video que os proponemos y luego meditad un poco sobre lo que habéis visto. Ahora sí, hasta otra amigos…

Dvořák – Symphony No. 9 Allegro con Fuoco


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La revolución del rock and roll según Fito Paez

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Fito Paez es una de las figuras imprescindibles para entender el rock and roll en Argentina durante las últimas décadas. La obra de este cantante, compositor, cineasta, guionista, y sus más de 30 años en primera línea musical, lo han convertido en toda una institución latinoamericana gracias a 22 discos de estudio y múltiples trabajos grabados en directo. Acaba de lanzar al mercado “Rock and Roll Revolution”, un nuevo álbum original formado por 11 canciones dedicado a la figura de otro mito del rock argentino, el inclasificable músico nacido en Buenos Aires, Charly García.

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La portada del disco es todo un homenaje a la figura de Chary García. También encontramos referencias a este músico en varios pasajes del primer single extraído de “Rock and Roll Revolution”. Hay que decir que no es la única persona a la que Fito dedica algunas palabras en la canción con la que presenta su nuevo LP. Su ex pareja, la periodista y abogada Julia Mengolini, también se lleva lo suyo…

Fito Paez hace referencia a Mengolini con las siguientes líneas: “Vos pensás en tu revolución, yo pienso que te falta mucho rock and roll. Qué mierda son tus batallas culturales, si te dan miedo los artistas siderales”. Tras el consiguiente revuelo en las redes sociales, la periodista no ha tardado en señalar que el cantante se siente claramente “despechado”. Mengolini ha zanjado la polémica declarando: “Un saludo a mis otros ex que fueron unos caballeros y que como muchos de mi generación, piensan que no es una boludez hablar de política”.

En fin, reproches y puñaladas traperas aparte, vamos a escuchar esta canción que da título al nuevo material del siempre polémico Fito Paez…

Fito Paez – Rock and Roll Revolution

En la grabación y producción del disco han participado Mariano Otero en el bajo, Gastón Baremberg a la batería, Gaby Carámbula en la guitarra eléctrica y Fito en el piano y teclados. Según palabras del propio artista, es “un álbum de un hombre que sabe lo que quiere y lo que no”.

“Rock and Roll Revolution” ha sido compuesto en tan solo dos semanas y grabado en Buenos Aires en otras dos. Posteriormente el músico viajó a Nueva York donde finalizó la mezcla y algunas grabaciones junto a Joe Blaney en los estudios Electric Lady. “Es un álbum de afirmaciones y de declaraciones de puntos de vista. Habrá a quien le caiga bien y habrá otros que no. That´s life. Y esta también es una forma de contarles a mis hijos, quién es su padre. Qué piensa y cómo actúa en el mundo”, ha declarado Fito Páez sobre la temática y contenido del disco.

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Volviendo a la figura del rockero Charly García, máxima inspiración de Fito Paez para su último trabajo, el cantante de Rosario señala que el disco es una apuesta para demostrar “el protagonismo cultural de Charly en las últimas décadas”. También añade que “su influencia ha sido tan importante como para decidir que quería vivir y dedicar mi vida a la música. Es una obra para revisar, es un tesoro para todo el continente americano”.

Antes de seguir hablando de Paez vamos a hacer un pequeño paréntesis para conocer un poco mejor la figura de Charly García ya que es uno de los protagonistas indirectos de este lanzamiento discográfico. Este músico es considerado como una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina tanto por su trabajo y talento, como por su particular e histriónica personalidad. A parte de una extensa carrera como solista, fue fundador de bandas mágicas como Sui Géneris, Serú Girán y La Máquina de Hacer Pájaros. En lugar de tanta palabrería, lo mejor es veamos a este ícono del rock en acción…

Charly Garcia- Cerca de la revolución

“Rock and Roll Revolution” llega a las tiendas menos de un año después del LP “Yo te amo” (2013), un disco compuesto por 11 canciones originales que coincidía con la celebración del 50 cumpleaños de Fito Paez. De él nos gustaría destacar el delicioso videoclip titulado “Margarita”, dedicado a la hija del cantante, además del single que da nombre al disco.

Fito Paez – Margarita

Fito Paez – Yo Te Amo

Hacer un repaso visual por la carrera de Fito Paez sería una tarea titánica. Su discografía arranca en 1984 y su LP “El amor después del amor” es el disco de rock argentino más vendido de la historia. Sus hits se cuentan por decenas, pero podríamos destacar algunos como “Naturaleza sangre”, “Ciudad de podres corazones” o “La rueda mágica”. Sus ventas rozan los cuatro millones de copias además de ser una cara bien reconocida en el mundo del cine donde ha estado delante y detrás de las cámaras en más de una ocasión. Así que vamos a destacar algunos de sus videoclips tomando como referencia los Grammy Latinos que tiene en su poder.

En el año 2000 se alza con el primer Grammy Latino de su carrera por la “Mejor canción de rock” gracias a “Al lado del camino”. Una canción incluida en su duodécimo disco de estudio “Abre” (1999).

Fito Paez – Al Lado del Camino

“Abre” (1999) viene a suceder la tortuosa relación laboral que mantuvo con el cantautor Joaquín Sabina durante su proyecto musical conjunto llamado “Enemigos íntimos”(1998). Un disco que nunca presentaron en directo debido a desavenencias personales entre ambos artistas a pesar de haber programado una gira juntos. Se trataba de dos personalidades bastante antagónicas: el meticuloso y calculador Fito Paez, junto al bohemio y relajado Joaquín Sabina. El único trabajo promocional que trascendió de esta unión fue este videoclip titulado “Llueve sobre mojado”.

Joaquin Sabina ft. Fito Paez – Llueve Sobre Mojado

El 2007 el artista argentino vuelve a ganar un Grammy Latino al “Mejor álbum vocal rock solista” por “El mundo cabe en una canción” (2006). Un disco que supone una nueva hornada de temas originales para el repertorio de Fito tras un periodo de tres años de discos recopilatorios y versiones de otros artistas. A este disco pertenece este “Eso que llevas ahí”…

Fito Paez – Eso que llevas ahí

En la siguiente edición de los Grammy Latinos vuelve a ser premiado por su álbum “Rodolfo” (2007) como “Mejor álbum de cantautor”. Un disco en el que solo encontramos la voz desnuda de Paez junto a su inseparable piano. Y como ejemplo destacamos este “Si es amor”…

Fito Paez – Si Es Amor

En 2009 vuelve a alzarse con un triunfo en los Grammy Latinos como “Mejor álbum vocal pop masculino” gracias a su LP “No sé si es Baires o Madrid” (2008). Un disco grabado en vivo en el Palacio de Congresos de Madrid compuesto por un CD + DVD. Un concierto en el que Fito Paez contó con la presencia de otros grandes artistas como Pablo Milanés, Ariel Rot o Marlango. Este evento también sirvió para sellar la paz definitiva con Joaquín Sabina con el que interpreta el tema “Contigo”. Fito Paez y Joaquín Sabina… genios y figuras…

Fito Paez – Contigo


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Tracklist – Rock and Roll Revolution

1. Rock and Roll Revolution
2. Muchacha
3. Tendré Que Volver a Amar
4. Arde
5. La Canción de Sybil Vane
6. Ella Sabe Todo de Mí
7. La Mejor Solución
8. Loco
9. Los Días de Sonrisas, Vino y Flores
10. Que Te Vaya Bien
11. Hombre Lobo / Yo


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“Hacemos rock and roll, o pop, o algo así…”

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Si quieres zambullirte de lleno en la escena independiente española y no perder el tiempo, descubrir la discografía de Triángulo de Amor Bizarro es la decisión más inteligente. Este grupo gallego, en activo desde 2007, se ha labrado a través de tres discos en el mercado una reputación de lo más sólida y una legión de seguidores de lo más disciplinados. Su sonido se mueve entre el pop de guitarras y el noise más cercano al punk. “Victoria Mística” (2013) es su última criatura discográfica. Un disco absolutamente visceral, directo y honesto en el que Triángulo de Amor Bizarro no ha dejado nada de gasolina en el depósito. Con este trabajo han alcanzado una vez más los primeros puestos en las listas de ventas y girar sin parar por España, Chile y México, país donde son auténticos ídolos. Casi toda la prensa los señala como un grupo imprescindible pero nosotros preferimos la expresión con la que ellos mismos se definen: “Una picadora de ruido incomprensible”.

Comenzaron su carrera profesional hace más de 7 años con un disco homónimo que los catapulto desde el anonimato a estar prácticamente en cada festival indie celebrado en España y Portugal. Su particular estilo, pulido en salas de ensayo en un ambiente netamente rural, cautivó rápidamente a la crítica y al público más independiente con temas atronadores y letras que te alejan totalmente de la indiferencia.

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“Triángulo de Amor Bizarro” (2007), “Año Santo” (2010) y “Victoria Mística” (2013) son sus tres trabajos de larga duración. Con cada uno de ellos han llegado a encabezar varias listas elaboradas por prensa especializada de habla hispana. Medios como Rolling Stone, Rockdelux, Me Hace Ruido (México) o Mute Magazine (Argentina), han destacado todos y cada uno de sus lanzamientos como los mejores de sus respectivos años.

“Victoria Mística” es su último disco, un trabajo que contó con la producción de lujo del norteamericano Manny Nieto (The Breeders, Circle Jerks). Un álbum que contiene temas dentro de los registros habituales del noise-pop como “Enemigos del espíritu”, la magnífica y guitarrera “Un rayo de Sol”, o “Delirio místico”, todo un caramelo para los directos. También hay que destacar canciones como “Ellas se burlaron de mi magia”, “De la mano de las almas oscuras” y “Clara”, corte que cierra el LP.

Triángulo de Amor Bizarro está formado por la fusión musical de Rodrigo, Isa, Rafa y Zipo. Según la revista Rolling Stone, son uno de los 10 grupos imprescindibles de la escena rock alternativa española. Su subida a los altares de la iconografía indie patria así lo atestigua.

Su forma de entender la vida y la música, letras destructoras y huracanadas, junto a una forma de trabajar tranquila y sosegada han hecho que el éxito de TAB sea casi una consecuencia natural a su existencia. Son un auténtico soplo de aire fresco en el panorama musical español y esta tarde son nuestros invitados en Sunday Sessions…

¿Cómo surge Triángulo de Amor Bizarro y a quién se le ocurre este nombre? ¿Hay algún por qué en especial a la hora de elegir el nombre o fue un simple ejercicio de dadaísmo?
Un poco de todo y nada a la vez, cuando empiezas un grupo, sobre todo si es el primero, intentas ponerle nombre, y como generalmente no tienes ni idea de cómo va a ser el grupo, pillas cosas un poco al azar y a lo que salga. Cogimos el nombre de una canción de New Order, lo tradujimos mal a propósito para que tuviese algún juego de palabras, ya que en castellano bizarro significa valiente, y listo. Ahora tal vez me hubiese puesto otro, pero es que hace mucho tiempo de eso.

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Sois naturales de A Coruña y habéis crecido allí, ¿qué hay netamente gallego en el espíritu de TAB?
Pues que somos todos de Galicia y vivimos en Galicia, por lo que sí, somos gallegos, y espero que se note.

Tengo entendido que cuando miráis por la ventana, lo que tenéis enfrente es un paisaje bucólico en toda regla sin ningún tipo de aglomeración urbana en unos cuantos kilómetros a la redonda. ¿Es esa situación una fuente constante de inspiración y concentración o puede más el aburrimiento y la sensación de quietud que puede lastrar futuros proyectos?
No, la ría no tiene mucho de bucólico, la verdad, es uno de los lugares más poblados de Galicia, y en verano de las que más vida tiene. Abro la ventana y veo el mar, y al otro lado de la ría, veo Rianxo, Vilagarcía y la isla.

¿Cómo fueron los comienzos, sobre todo los primeros conciertos en la zona de Ría de Arousa, lugar de donde procedéis? ¿Tenéis alguna anécdota en especial que recordéis de esos momentos?
Difíciles, era época pre myspace y aún no había la afición que hay ahora por este tipo de música, ni más grupos con cosas en común, ni nada. Pero bueno, fue una buena época para decidirnos si nos gustaba realmente o no hacer música.

¿Cómo eran vuestros primeros públicos, quiénes los conformaban? ¿Tenía aceptación vuestra música en vuestro entorno más cercano?
Pues al principio venían amigos y conocidos y nadie más. Aprendimos realmente a salto de mata, así que nuestros primeros conciertos eran realmente desastrosos, agradecemos mucho lo que tuvieron que aguantar nuestros amigos al principio, aunque también lo pasábamos muy bien. Teníamos ya la idea, aunque nuestras manos no nos permitían ejecutarla, y en eso seguimos, aunque disimulamos más.

Rodrigo, Isa, Rafa y Zipo… ¿Desde cuándo se conocen y son amigos los miembros de la banda?
Isa y yo estamos desde el principio, y Rafa y Zipo los conocimos dando nuestros primeros conciertos, después compartimos local ya que ellos tenían otros grupos, y de forma natural acabamos tocando juntos.

Vuestro debut, con disco homónimo, supone toda una revolución en el panorama musical español. ¿Cómo recordáis el momento en el que compusisteis esas canciones cuando se mira atrás en el tiempo?
Pues recuerdo haber hecho en un par de tardes “El fantasma de la transición”, “El himno de la bala” y “El Crimen”, que son, creo las 3 canciones más representativas del primer disco, y aquí estamos, tocándolas aún 7 años después de editarlas.

Triángulo de Amor Bizarro – El Fantasma de la Transición

En 2010 llega “Año Santo”, un trabajo, según la crítica especializada, que os hace tocar la cumbre en todos los sentidos. ¿Qué significó este disco para el grupo? ¿Es vuestro mejor disco hasta la fecha?
Bueno, recuerdo el año que salió que había medios que no lo querían ni comentar, ya que no veían sus supuestas virtudes. No fue hasta 2011 cuando la gente empezó a ver a “Año Santo” no como un bajón respecto al primer disco, si no como un paso adelante, o un paso al lado, que es como lo veo yo. No sé si es nuestro mejor disco, hay gente que prefiere el primero, otra el tercero, lo que para nosotros es estupendo, no queremos ser un grupo de un disco bueno y que los demás discos sean intentos de serlo. Y creo que cada uno tiene algo que no tienen los demás.

Triángulo de Amor Bizarro – De la Monarquía a la Criptocracia

Con él comenzáis a tocar fuera de España de forma más periódica y llegáis a compartir escenario con gente como los Pixies o Interpol, y poco después comienzan a llover nominaciones y premios. ¿Qué siente un músico cuando tiene estos galardones en la mano y al comprobar en los conciertos que la gente se sabe las composiciones que se imaginaron durante cualquier tarde de ensayos junto a los colegas?
Bueno, pues sientes que todo el trabajo por una vez sirve para algo, y de alguna forma te sientes un poco realizado, pero sobre todo piensas en hacer más canciones.

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En 2013 editáis vuestro último disco hasta el momento, “Victoria mística” y comenzáis una gira titánica por España, Chile y México. Este disco contiene temazos como “Estrellas místicas”, “Un rayo de sol” o “Ellas se burlaron de mi magia”. ¿Qué significa “Victoria mística” para TAB y qué queréis transmitir con él?
No soy mucho de explicar el significado de los discos, todo lo que queremos contar está en ellos, y prefiero que la gente saque sus propias conclusiones al escuchar el disco. Estamos muy contentos con el disco, la verdad, hemos puesto todo en él y me alegro que te gusten esas canciones, por ejemplo.

¿De qué fuentes de inspiración bebe TAB a la hora de escribir las letras de vuestras canciones?
Del mundo en general, no solo de otros músicos. Al escribir, suelo tardar bastante en encontrar una idea que mueva la letra. Al principio, escribía un poco al azar, o buscando sensaciones, con la esperanza de que ya encontraría de lo que estaba hablando. Un poco era por tener que escribir, por practicar, digamos. Ahora no me urge tanto, simplemente espero que se me ocurra algo de lo que escribir y lo hago.

¿De qué mente de la banda suelen salir los títulos tan originales de vuestros temas? ¿Son letras con mensajes ocultos, o simplemente la transmisión de unas sensaciones en el momento y nada más?
Bueno, le damos vueltas, e intentamos completar un poco el significado de la canción con el título. Antes lo usábamos un poco para cerrar las cosas, como para intentar darle otra capa de significado, ahora no me preocupa tanto eso como que sea más intuitivo, es una cuestión más de darle el punto y final a la canción.

¿Os imagináis que hubiera un grupo de fans reuniéndose todos los jueves por la tarde a eso de las 19.15h alrededor de vuestras canciones y hagan sesiones donde analicen pormenorizadamente cada palabra, cada coma y cada frase de vuestras canciones?
Sí, todo es posible, ¡solo espero que no se tomen las letras demasiado en serio!

¿Vuestra canción preferida?
“Ghost Rider” de Suicide.

Suicide – Ghost Rider

¿El tema que mejor os define?
Es muy complicado.

¿La canción que os es más tediosa interpretar pero que a la gente le ha encantado?
Las que nos aburren las dejamos de tocar.

¿El tema que le dedicaríais al rey de reciente estreno, Felipe VI?
Ninguno.

“Pop ruidista”, “transgresores”, “sonido noise”, “reminiscencias punk”, “indies de a kilo”, “música rabiosa y atronadora”… Estos son algunos de los calificativos con los que se os ha intentado etiquetar por parte de la prensa y los fans. ¿Tienen algo de cierto? ¿Cómo podríais definir vuestro sonido realmente?
No sé, no nos corresponde a nosotros. Hacemos rock and roll, o pop, o algo así.

¿Qué grupos suenan en casa o en el coche de los miembros de Triángulo de Amor Bizarro?
De todo un poco, ahora estoy revisitando a The Wu Tang Clan y los discos de los 80 de los Bad Seeds

¿Nos podríais recomendar algún descubrimiento que hayáis hecho recientemente en la música nacional o internacional?
Chicharrón, Elvis Negro, Vietnam.

¿Cómo lleváis el tema de las críticas de vuestros discos, las críticas de vuestros conciertos y, en general, el mundo de la crítica en algo tan subjetivo y personal como es la música y lo que cada uno siente de forma particular cuando oye a una banda?
Siempre es bueno que hablen de uno, y mejor si te ponen bien, claro. Pero intentamos mantenernos un poco al margen de eso, no queremos caer en hacer una cosa determinada simplemente porque sabemos que de esa forma va a gustar, intentamos hacer lo que nos sale y punto.

Poco después de que lanzarais vuestro primer disco al mercado no había festival que se preciara en España en el que no estuviera TAB. ¿Recordáis que sensaciones vivisteis la primera vez que pisasteis el escenario de un gran festival?
Sí, al principio sobre todo te pones nervioso, y solo lo disfrutas cuando terminas y no pasó nada jodido, tipo se te va el sonido de la guitarra, se desmaya el batería por el calor o algo así. Al principio sobre todo, me ponía muy nervioso porque fallase algo técnico que no pudiese solucionar, como que se me estropease un pedal de la guitarra, o me fallase un cable.

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¿Os quedáis a alternar en el festival de turno tras vuestra actuación o ponéis pies en polvorosa para descansar y recargar pilas?
Depende el día, y de lo lejos que estemos de casa o de la siguiente parada, pero siempre intentamos ver conciertos, aparte de tocar, intentamos ir a todos los conciertos que podamos.

¿Dónde disfrutáis más, en una sala pequeñita con el aliento del público prácticamente en la cara o en un festival de escenario tocho frente a miles y miles de personas?
Pues es bueno variar, para que se te haga fresco lo de dar conciertos. Tanto en salas como en festivales hemos dado conciertos buenos y otros no tan buenos. Ahora que estamos empezando el verano y llevamos todo el invierno de gira en salas, nos apetece festivales, realmente.

¿Tenéis alguna forma particular de prepararos las giras y salidas?
Ensayar, ensayar y ensayar.

Tocáis con mucha frecuencia en América Latina. ¿Cómo acogen vuestra música por allí? ¿Tiene algo el público latino que lo diferencia claramente del español a la hora de entender la música que hacéis?
Muy bien, hay una escena allá increíble, la gente se mete de lleno en los conciertos y cada vez que vamos disfrutamos a tope. Aquí también, agradecemos mucho que después de tanto tiempo girando sin parar la gente se acerque a nuestros conciertos.

¿Sois gente activa en las redes sociales?
Sí, lo que podemos, es algo que al final te saca mucho tiempo y son también horas de trabajo que podrías estar dedicando a hacer música, pero intentamos mantener un equilibrio, ya que es importante, es la principal forma de tener una relación directa con tus seguidores o con la gente que está interesada en lo que haces.

Tengo varias curiosidades tras visitar vuestra página oficial en Facebook al pichar en la pestaña de “Información”. La primera, ¿podríais aclararme que significa que en “género” a continuación ponga “sanación y meditación”?
Facebook te pide que pongas un género cuando haces el perfil, y ese me gustaba.

La segunda cuestión relacionada con vuestra página en Facebook es el significado de la frase “Picadora de ruido incomprensible”…
Pues significa exactamente eso.

¿Qué cara se os queda si veis alguno de vuestros discos en eso que se llamó “top manta”, o en la pantalla de algún ordenador en la cola de descargas? ¿Cuál es vuestra posición ante estos temas?
Mucho peor es dejar en un limbo jurídico a los inmigrantes africanos que se suelen dedicar a esto, como hace el gobierno español. Si yo estuviese en esa situación, lo haría también. De hecho, cuando empezamos, le ofrecimos la maqueta a un mantero que se pasaba mucho por el bar donde trabajaba uno de nosotros, pero no lo quiso por poco comercial.

Los videoclips que hacéis son auténticos viajes… En mi opinión son muy buenos. ¿Quiénes son vuestros colaboradores habituales en este aspecto? ¿Entráis en el proceso creativo de los videos con frecuencia?
Los dos últimos son obra de Luís Cerveró, que es un artistazo. Solemos dejar hacer, intentamos trabajar con gente que nos conozca bien o tenga ideas que van con lo que hacemos.

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¿Os veis sobre un escenario con veinte o treinta años más?
Sí, claro, aunque no nos lo planteamos, seguimos a lo que surja y mientras el cuerpo aguante.

Esto es CREATION 5, os pediría que definierais vuestro sonido en tan solo 5 palabras…
Una Picadora de Ruido Incomprensible.

Triángulo de Amor Bizarro han elegido nuestras #SundaySessions esta semana, hace click aqui para el playlist.

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